Periodo de la práctica común (1600-1900)
El periodo de la práctica común, que abarca el Barroco, el Clasicismo y el Romanticismo, es el que se refiere a la
época de mayor esplendor en la historia de la música culta entre los años 1600 y 1900, según el compositor
estadounidense Walter Piston (1894-1976) quien ideó esta denominación en 1941.
época de mayor esplendor en la historia de la música culta entre los años 1600 y 1900, según el compositor
estadounidense Walter Piston (1894-1976) quien ideó esta denominación en 1941.
Entre los compositores que abarcan estos 300 años cada cual tendrá sus preferencias, nombrar aunque solo sea
a los más conocidos ocuparía gran espacio.
a los más conocidos ocuparía gran espacio.
El Barroco comienza con el nacimiento de la ópera alrededor de 1600.
El término barroco se tomó de la arquitectura, donde designaba algo «retorcido», (siendo el término original,
«barrueco» o «berrueco», que describía una perla deformada o joya falsa).
Durante el Barroco, la técnica y la estética musical experimentaron grandes cambios. Se cerraba el gran ciclo
de la polifonía vocal y se abría el capítulo de la melodía acompañada por instrumentos.
las artes, arquitectura, escultura, pintura y música se relacionan más que nunca creando la puesta en escena
como en la ópera, género vocal por excelencia del Barroco.
En los países católicos el genero religioso era el oratorio nacido en Italia, se cantaban en latín y contaban
historias del Viejo testamento con las que la Contrarreforma aleccionaba a los fieles.
Los oratorios no se representaban escénicamente como la ópera.
Uno de los oratorios más famosos es El Mesias de Haendel, este oratorio está escrito en inglés.
El término barroco se tomó de la arquitectura, donde designaba algo «retorcido», (siendo el término original,
«barrueco» o «berrueco», que describía una perla deformada o joya falsa).
Durante el Barroco, la técnica y la estética musical experimentaron grandes cambios. Se cerraba el gran ciclo
de la polifonía vocal y se abría el capítulo de la melodía acompañada por instrumentos.
las artes, arquitectura, escultura, pintura y música se relacionan más que nunca creando la puesta en escena
como en la ópera, género vocal por excelencia del Barroco.
En los países católicos el genero religioso era el oratorio nacido en Italia, se cantaban en latín y contaban
historias del Viejo testamento con las que la Contrarreforma aleccionaba a los fieles.
Los oratorios no se representaban escénicamente como la ópera.
Uno de los oratorios más famosos es El Mesias de Haendel, este oratorio está escrito en inglés.
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| Henry Purcell (Westminster, Inglaterra, 1659 - Londres, 1695) |
Marcha para el
cumpleaños del Duque de Gloucester - Henry Purcell.
El Barroco puede subdividirse en los siguientes periodos:
Barroco temprano (1580-1630), Barroco medio (1630-1680), Barroco tardío (1680-1730), La transición al Clasicismo (1730-1750).
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| Georg Friedrich Händel (Halle, Alemania, 1685 - Londres, Reino Unido, 1759) |
En los Estados Alemanes el luteranismo requería una música austera y meditativa, que además era utilizada como elemento de persuasión a los fieles. Se cantaban corales en alemán y el órgano producía un sonido majestuoso y sobrecogedor que reforzaba el impacto de la Palabra de Dios.
«El origen y el fin de la música es la glorificación de Dios»
J. S. Bach.
Las cantatas de Johann Sebastian Bach son consideradas como una « Biblia de los pobres», Las Pasiones se basan en la vida de Jesús según los Evangelios de San Juan y San Mateo.
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| Johann Sebastian Bach (Eisenach, Alemania, 1685 - Leipzig, Alemania, 1750), su obra es considerada la cumbre de la música barroca. |
Johann Sebastian: Bach Herz und Mund und Tat und Leben, BWV 147 (El corazón y la boca, y las obras y la vida) - Nikolaus Harnoncourt
El concepto de armonía se consolida en el Barroco, los modos mayor y menor, tal como los conocemos hoy, se impusieron definitivamente y se abandonaron los modos gregorianos.
Los compositores barrocos querían expresar los sentimientos y los estados de ánimo aprovechando toda la fuerza poética de la palabra. «Sea la palabra la señora de la música y no su esclava» Claudio Monteverdi (1567-1643).
El acompañamiento instrumental para la voz que cantaba el texto en lo que denominaban melodía acompañada corría a cargo de la voz más grave denominada bajo continuo. El bajo continuo era una línea melódica sobre la que se construían acordes, los cuales no se solían escribir como en la notación actual, sino que se deducían a partir de cifras colocadas en la partitura, de ahí que al bajo continuo se le llame también bajo cifrado.
Además de este acompañamiento a la voz, los instrumentos adquirieron gran protagonismo, se empezaba a componer para cada instrumento según su timbre y sus posibilidades técnicas y expresivas.
Italia, y en concreto Cremona donde trabajaban los Amati, Stradivari y Guarneri, era la patria de los constructores de instrumentos de la familia de cuerda frotada.
La música fue utilizada en el Barroco como medio de propaganda por las iglesias en competencia (Reforma luterana y Contrarreforma) y por la alta nobleza, únicas instituciones capaces de mantener una capilla de músicos profesionales. La música se vuelve indispensable para cualquier actividad, por lo que el músico pasa a ser un sirviente más de los que acompañaban a los nobles.
Los compositores barrocos querían expresar los sentimientos y los estados de ánimo aprovechando toda la fuerza poética de la palabra. «Sea la palabra la señora de la música y no su esclava» Claudio Monteverdi (1567-1643).
El acompañamiento instrumental para la voz que cantaba el texto en lo que denominaban melodía acompañada corría a cargo de la voz más grave denominada bajo continuo. El bajo continuo era una línea melódica sobre la que se construían acordes, los cuales no se solían escribir como en la notación actual, sino que se deducían a partir de cifras colocadas en la partitura, de ahí que al bajo continuo se le llame también bajo cifrado.
Además de este acompañamiento a la voz, los instrumentos adquirieron gran protagonismo, se empezaba a componer para cada instrumento según su timbre y sus posibilidades técnicas y expresivas.
Italia, y en concreto Cremona donde trabajaban los Amati, Stradivari y Guarneri, era la patria de los constructores de instrumentos de la familia de cuerda frotada.
El espectáculo de mayor éxito, y que mejor resume el gusto y la estética de la época, será la ópera, fusión de poesía, música y teatro. La claridad en la dicción de los textos es por ello condición fundamental impuesta tanto en la música religiosa como en la teatral (aparición del estilo recitativo).
RESUMEN DE LAS CARACTERÍSTICAS MÁS REPRESENTATIVAS DE LA MÚSICA BARROCA
♪ Supremacía de la voz solista sobre las demás → melodía acompañada
♪ Acompañamientos reforzados por un bajo continuo
♪ Ritmo muy marcado → se le llama también ritmo mecánico porque remarca mucho las pulsaciones
♪ Contrastes de velocidad, intensidad y timbre
♪ se distingue, definitivamente, la música para cantar de la música para tocar
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| Arcangelo Corelli (1653-1713) |
Dos estilos nacionales dominaron claramente la música europea del Barroco medio y tardío:
- El estilo francés: con Jean-Baptiste Lully como referente, es un estilo basado en formas de danza: piezas breves (unidas en la suite) y una compleja ornamentación.
Jean Baptiste Lully (1632-1687) - Marche pour la cérémonie des turcs
- El estilo italiano: ejemplificado en Vivaldi, se caracterizaba por una tonalidad fuertemente marcada mediante escalas, cadencias y progresiones, la melodía al servicio de la armonía, el rápido ritmo armónico, y el uso libre de la improvisación.
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| Antonio Vivaldi (1678-1741) |
Antonio Vivaldi - The Four Seasons «Las cuatro estaciones» - Julia Fischer, violín Academy of St. Martin in the Fields Director: Kenneth Sillito
La guitarra española sustituyó a la vihuela y alcanzo gran prestigio en toda Europa. Fueron famosos los tratados de Juan Carlos Amat (primer tratado de guitarra conocido) y Gaspar Sanz.
Sin entrar en disquisiciones (tendríamos que analizar los microtonalismos: que son intervalos con distancias menores que el semitono y producen escalas con más de doce sonidos por octava. Y analizar también la frecuencia de vibración del sonido al que se le da el nombre de una nota determinada, en 1955 se acepto que el La encima del Do central se afinara a 440 Hz) podemos decir que en el Barroco se impuso el sistema temperado, como el que usamos hoy en día, en el que el Re# suena igual que el Mi♭, esto hizo que los instrumentos de teclado gozaran de una amplia difusión.
Johann Sebastian Bach compuso "El clave bien temperado" abarcando todas las tonalidades de la escala temperada, componía un preludio y una fuga en Do mayor y después hacía un preludio y una fuga en Do menor, luego los ideaba en Do# sostenido también mayor y menor, seguía con la tonalidad de Re, teniendo en cuenta también los bemoles, y así sucesivamente.
François Couperin (París, 1668 - París 1733) y Domenico Scarlatti (Nápoles 1685 - Madrid 1757) fueron grandes compositores e interpretes del clavicémbalo.
Durante el Barroco quedo definida la estructura de orquesta como una formación estable, generalmente de instrumentos de cuerda, lo que propició el nacimiento del concertó grosso: un pequeño número de instrumentos (concertino) se contraponían al resto de la orquesta.
Con el tiempo el concertino fue reduciéndose con lo que se llegó al concierto para solista.
Principales formas musicales del Barroco
Las aportaciones por excelencia de este periodo a la música fueron la ópera, como género vocal, y el concerto grosso, como género instrumental. Otras formas, provenientes muchas de épocas anteriores pero a las que se dotó de nuevas innovaciones, en las vocales eran: la misa, la pasión, el oratorio y la cantata (religiosas); y la cantata y el madrigal (profanas). Instrumentales fueron el concierto con solista, la sonata a trío y la suite. Gozó de particular fama e importancia la fuga.
